26 Feb-04 Mar

Learn more How does this calendar work?
Hide
  • Vernissage
  • Show on view
  • Open by appointment
  • Closing days
Galleries & Museums 26 Mon 27 Tue 28 Wed 01 Thu 02 Fri 03 Sat 04 Sun
Brand New Gallery
Cardi Gallery
Fondazione Carriero
Galleria Raffaella Cortese  
 
Massimo De Carlo
Istituto Svizzero
kaufmann repetto
Marsèlleria
Francesca Minini
Pirelli HangarBicocca
Fondazione Prada          
         
Federica Schiavo Gallery
ZERO...
Clima
Fondazione Marconi
Brand New Gallery

Via C. Farini 32, 20159

Open map
Cardi Gallery

Corso di Porta Nuova 38, 20121

Open map
Fondazione Carriero

Via Cino del Duca, 4, 20122

Open map
Galleria Raffaella Cortese

Via A. Stradella 1, 4, 7, 20129

Open map
Galleria Raffaella Cortese

Via A. Stradella 1, 4, 7, 20129

Open map
Massimo De Carlo

Palazzo Belgioioso Piazza Belgioioso 2, 20121

Open map
Massimo De Carlo

Lambrate/Ventura Via G. Ventura 5, 20134

Open map
Istituto Svizzero

Via del Vecchio Politecnico 3, 20121

Open map
kaufmann repetto

Via di Porta Tenaglia 7, 20121

Open map
Marsèlleria

Via Paullo 2A, 20135

Open map
Marsèlleria

Via Privata Rezia 2, 20135

Open map
Francesca Minini

Via Massimiano 25, 20134

Open map
Pirelli HangarBicocca

Via Chiese 2, 20126

Open map
Pirelli HangarBicocca

Via Chiese 2, 20126

Open map
Fondazione Prada

Fondazione Prada Largo Isarco 2, 20139

Open map
Fondazione Prada

Fondazione Prada/ Osservatorio Fondazione Prada/ Osservatorio, 20121

Open map
Fondazione Prada

Fondazione Prada Largo Isarco 2, 20139

Open map
Federica Schiavo Gallery

Via Barozzi 6, 20122

Open map
ZERO...

Viale Premuda 46, 20129

Open map
Clima

Via ​A. Stradella, 5​, 20129

Open map
Fondazione Marconi

Via Tadino 15, 20124

Open map
Gió Marconi

Via A. Tadino 20, 20124

Open map
kaufmann repetto

Via di Porta Tenaglia 7, 20121

Open map
Galleria Raffaella Cortese

Via A. Stradella 1, 4, 7, 20129

Open map
Brand New Gallery

Via C. Farini 32, 20159

Open map
Cardi Gallery

Corso di Porta Nuova 38, 20121

Open map
Galleria Monica De Cardenas

Via F. Viganò 4, 20124

Open map
Massimo De Carlo

Via G. Ventura 5 / Palazzo Belgioioso, Piazza Belgioioso 2,

Open map
Pirelli HangarBicocca

Via Chiese 2, 20126

Open map
Istituto Svizzero

Via del Vecchio Politecnico 3, 20121

Open map
Francesca Minini

Via Massimiano 25, 20134

Open map
Galleria Lia Rumma

Via Stilicone 19, 20154

Open map
La Triennale

Viale E. Alemagna 6, 20121

Open map
ZERO...

Viale Premuda 46, 20129

Open map
Marsèlleria

Via privata Rezia 2, 20135

Open map
Fondazione Prada

Largo Isarco 2, 20139 / Osservatorio Fondazione Prada,

Open map
Fondazione Carriero

Via Cino del Duca, 4, 20122

Open map
Fanta Spazio

Via Merano 21, 20127

Open map
Tile Project Space

Via Garian 64, 20146

Open map
Armada

Via Privata Don Bartolomeo Grazioli 73, 20161

Open map
MEGA

Piazza Vetra 21, 20123

Open map
Federica Schiavo Gallery

Via Barozzi 6, 20122

Open map
Cortesi Gallery

Corso di Porta Nuova 46/B, 20121

Open map
Clima

Via ​A. Stradella, 5​, 20129

Open map
Fondazione Marconi

Via Tadino 15, 20124

Open map
10 Corso Como

Corso Como 10 - 20154

Open map
Bar Basso

Via Plinio 39 - 20129

Open map
La Belle Aurore

Via Privata G. Abamonti 1 - 20129

Open map
Fioraio Bianchi Caffè

Via Montebello 7 - 20121

Open map
Charmant

Via G. Colombo 42 - 20133

Open map
Grand Hotel et de Milan

Via A. Manzoni 29 - 20121

Open map
Lile in cucina

Via F. Guicciardini 5 - 20129

Open map
Panificio Davide Longoni

Via G. Tiraboschi 19 - 20135

Open map
Pasticceria Marchesi

Via Santa Maria alla Porta 11a - 20123

Open map
Trattoria Masuelli San Marco

Viale Umbria 80 - 20135

Open map
La Nuova Arena

Piazza Lega Lombarda 5 - 20154

Open map
Pavé

Via F. Casati 27 - 20124

Open map
Antica Trattoria della Pesa

Viale Pasubio 10 - 20154

Open map
Picchio

Via Melzo 11 - 20129

Open map
Piero e Pia

Piazza D. Aspari 2 - 20129

Open map
Polpetta DOC

Via B. Eustachi 8 - 20129

Open map
Osteria del Treno

Via San Gregorio 46 - 20124

Open map
Fonderia Artistica Battaglia

Via Stilicone 10 - 20154

Open map
Pasticceria Cucchi

Corso Genova 1 - 20123

Open map
Otto

Via Paolo Sarpi 10 - 20154

Open map
DRY Cocktails & Pizza

Via Solferino 33 - 20121

Open map
Capetown Café

Via Vigevano 3 - 20144

Open map
Pisacco

Via Solferino 48 - 20121

Open map
CONVERSO

CLS Architetti - San Paolo Converso Piazza S. Eufemia, Milano - 20122

Open map
​LùBar

Via Palestro, 16 - 20121

Open map
Close

“A Space for Thought”

30 November – 03 March
Tuesday
11 am – 7 pm (close 1 – 2.30 pm)

Opening 30 November From 7pm to 9pm

Via C. Farini 32, 20159

View more on Artshell

MARINA ADAMS, MEQUITTA AHUJA, FIRELEI BÁEZ, KRISTIN BAKER,
ELLEN BERKENBLIT, AMY FELDMAN, SUZANNE MCCLELLAND,
JOANNA POUSETTE-DART, JACKIE SACCOCCIO, BETTY TOMPKINS,
ANNE VIEUX, ROBIN F. WILLIAMS, MARGO WOLOWIEC, ALLISON ZUCKERMAN

Brand New Gallery è is pleased to present “A space for thought”, a group exhibition with fourteen artists who are experimenting the possibilities of the painting act.
The show aims to explore and present the different trends, figurative and abstract, following the freedom of the artists’ styles. “A space for thought” is an invite to create and to think and it also refers to the potentialities of painting in the contemporary age.

Brand New Gallery  lieta di presentare “A space for thought”, una mostra collettiva con quattordici artiste incentrata sulle differenti modalità di espressione della pittura contemporanea.
La mostra vuole indagare e proporre differenti linguaggi, figurativi e astratti, dando piena libertà alle artiste selezionate.
“A space for thought” è un invito a riflettere sulle potenzialità  della pittura nei nostri giorni.

 

Close
Close

Fred Sandback
In collaboration with the Estate of Fred Sandback, curated by Amy Sandback

22 February – 06 July
Monday – Friday 10 am-7 pm
Saturday by appointment

Opening 21 February from 6 pm to 9 pm

Corso di Porta Nuova 38, 20121

View more on Artshell

Seven sculptural works will be displayed in the spaces according to Sandback’s elegant yet minimal methods of spatial organization along with a large selection of rare and historical drawings that outline the evolution of the artist’s research. The American artist Fred Sandback (1943–2003) worked with elastic cord and acrylic yarn to delineate or bifurcate three-dimensional space, creating room-filling volumetric forms using the most minimal of means. The story of how Sandback began creating sculptures out of string is well documented by the artist and the historians. In 1966, George Sugarmann, in response to Sandback's frustrations with sculpture and sculptural practices, told him "Well if you are so sick of the parts, why not just make a line with a ball of string and be done with it". Following his first sculpture in string, Sandback realized that this material allowed him "to play with something existing and non existing at the same time”. By stretching single strands of yarn point-to-point to create geometric figures, Sandback’s near intangible objects nevertheless amounted to precise and subtle delineations of pictorial planes and architectural volumes. Despite this relationship to the built environment and to the practice of drawing, he became known primarily as a Minimalist sculptor, alongside such contemporaries as Dan Flavin, Donald Judd, Sol LeWitt and Carl Andre, but Sandback was also a forerunner of and a major influence on many of today’s installation artists. Born in Bronxville, New York in 1943, he attended Yale as an undergraduate, studying philosophy and sculpture (BA, 1966), and as a graduate student in art (MFA, 1969). His first solo gallery shows were in Germany in 1968, at Galerie Konrad Fischer, Düsseldorf, and Galerie Heiner Friedrich, Munich. His first solo museum exhibitions took place in Europe at Museum Haus Lange, Krefeld, in 1969, and at the Kunsthalle Bern in 1973. His inaugural large-scale solo show in the US was at New York’s PS 1 in 1978. Solo exhibitions of his work include: ‘Fred Sandback: A Drawing Retrospective’, organised by the Kunstmuseum Winterthur, Switzerland (2014); ‘When Attitudes Became Form: Bern 1969/Venice 2013’ at Fondazione Prada, Milan, Italy (2013); Whitechapel Gallery, London, UK (2011), Kunstmuseum Liechtenstein, Vaduz, Liechtenstein (2005). Sandback’s work is on permanent display at Dia:Beacon, NY, USA. 

Close
Close

Sol LeWitt “Between the Lines”
Curated by Francesco Stocchi & Rem Koolhaas - in collaboration with Estate Sol LeWitt

17 November – 23 June
Tuesday - Sunday
from 11 am to 6 pm

Opening 16 November from 5pm

Via Cino del Duca, 4, 20122

View more on Artshell

One decade after the death of Sol LeWitt (Hartford, 1928 – New York, 2007), Between the Lines aims to offer a new perspective on the American artist’s practice, exploring its confines—though always adhering to the underlying norms and principles of his ideas—and singling-out the most interesting moments of the method of investigation and the processes that may arise. With a considerable body of work spanning his entire career—from the famous Wall Drawings to sculptures like Complex Form and Hanging Structures, up to the photo series Autobiography 1980—and starting from the peculiarities of the rooms at the Foundation, the exhibition explores the relationship between LeWitt’s work and architecture.

Between the Lines is based on a powerful and innovative key to interpretation, aimed above all at reformulating the idea that a work must adapt to the architecture, thereby challenging the very notion of site-specificity. With full participation by the architect Rem Koolhaas—as a curator, for the first time ever—in dialogue with the curator Francesco Stocchi, Between the Lines faces broad aspects of LeWitt’s oeuvre, with the ambitious goal of moving beyond the division that traditionally separates architecture and art history and which characterizes the artist’s entire body of work, aimed more at the process than at the final result, free from any aesthetic or idealist opinion.

In 1967, LeWitt published in the magazine Artforum his “Paragraphs on Conceptual Art”—considered, even today, fundamental to understanding conceptual art—decreeing the importance of the idea over the execution, thus attributing more relevance to the notion, to the process rather than to the object and, therefore, marking the beginning of a gradual reduction of the artwork to an elementary state. In this text, LeWitt coins the term “conceptual,” paving the way for an idea of art and a way of working that was—and still is—important for generations of artists. The artist’s task is to formulate the project, whereas its execution can be entrusted to anyone, provided the instructions be respected. His belief in the artist as the creator of ideas adds a new dimension to his role, likening it to the figure of an architect who creates a design for a building and then entrusts its construction to others.

Yet, the theory LeWitt professed is vaster than imagined: it is the certain, measured degree of randomness established by the individuality of the one who will execute the work to expose it to the pathos of artistic creation, to the sense determined by the inner coherence of the linguistic system and, therefore, by the method and not the result per se. Moving freely within the rules. Like when, for example, in commemoration of his friend Eva Hesse, the artist introduces “non-straight lines” in his Wall Drawings and abandons himself to the understanding (and the interpretation) of the one who executes, further reinforcing a disinterest for any form of aesthetics in favor of respect for rules, thus making his works immortal since they can renew themselves each time.

At this point the role of architecture (and of the architect) becomes part of assessing LeWitt’s work, not only for the affinity in planning ideas but for the ability both have to reshape space. Sol LeWitt’s works cannot be considered sculptures or paintings or even architectural structures. Instead, they are Structuresforms inserted into the space, taking shape midway between the two-dimensional and the three-dimensional. Their geometric regularity makes them perfect “bases” for his wall drawings—multiplied, transformable into patterns, and repeatable in an infinite number of white, black, or colored shapes, either solid or open. These forms reveal their loyalty to flat images while at the same time they challenge gravity, triggering a reflection that joins wall paintings and sculptures, thereby creating an access between “dimensionality” and “construction.” Many of these figures are oblivious to their surroundings and their features; they cross doors and walls, thus creating continuity in the architecture without being conditioned by the specificity of the place in which they develop. Therefore, they cover the entire history of wall painting. The work is imbued with that location, though it wasn’t necessarily conceived for it, and, thus, it reveals a new metaphysical space made not with lines, cubes, or other geometric shapes, but with the idea of those very lines, cubes, and shapes.

The exhibition at the Fondazione Carriero stems from the desire to explore the confines of LeWitt’s work, considering his postulates as part of a new and freer system of verification, and to propose new harmony between the three-dimensional figure and the two-dimensional surface.

Between the Lines is an integral part of the program begun by the Fondazione Carriero with imaginarii(September 2015), FONTANA • LEONCILLO Forma della materia (April 2016), FASI LUNARI (October 2016), and PASCALI SCIAMANO (March 2017), exhibitions curated by Francesco Stocchi whose focus is their exchange approach and constant strive for research and experimentation.

The exhibition is made possible thanks to a close collaboration with the Estate of Sol LeWitt and to loans from prestigious public institutions, like the Whitney Museum of American Art (New York), as well as important private collections, like the Collezione Panza.

The Wall Drawings on display at the Fondazione Carriero were executed in collaboration with young artists and students in Milan, under the close supervision of the Estate of Sol LeWitt.

The show will be accompanied by a catalogue (Italian/English), published by the Fondazione Carriero and edited by Francesco Stocchi, which gathers images of the works installed at the Foundation, with contributions by the curators Francesco Stocchi and Rem Koolhaas, a scholarly text written for the occasion by the architect and art historian Adachiara Zevi, and a previously unpublished biography, illustrated with personal and archive images, many of which have never been seen before and compiled for the publication by Sofia LeWitt, the artist’s daughter.

 

Nel decennale della scomparsa di Sol LeWitt (Hartford, 1928 – New York, 2007), Between the Linesintende offrire un punto di vista nuovo sulla pratica dell’artista statunitense, esplorandone i confini – nel rispetto di quelle norme e di quei principi alla base del suo pensiero – e isolando i momenti fondanti del suo metodo di indagine e dei processi che ne derivano. Attraverso un nutrito corpus di opere che ripercorrono l’intero arco della sua carriera – dai celeberrimi Wall Drawings alle sculture come Complex Form e Hanging Structures, fino alla serie fotografica Autobiography 1980 –, e partendo dalla peculiarità degli spazi della Fondazione, il progetto espositivo esplora la relazione del lavoro di LeWitt con l’architettura.

Between the Lines si basa su una chiave di lettura forte e innovativa, tesa innanzitutto a riformulare l’idea che sia l’opera a doversi adattare all’architettura, fino ad arrivare a sovvertire il concetto stesso di site­specific. Con il pieno coinvolgimento dell’architetto Rem Koolhaas – per la prima volta nella veste di curatore – in dialogo con il curatore Francesco Stocchi, Between the Lines affronta ampi aspetti dell’opera di LeWitt, con l’obiettivo ambizioso di superare quella frattura che tradizionalmente separa l’architettura dalla storia dell’arte e che caratterizza l’intera pratica dell’artista, rivolta più al processo che al prodotto finale, e scevra di qualsiasi giudizio estetico o idealista.

Nel 1967 LeWitt pubblica sulla rivista Artforum il testo “Paragraphs on Conceptual Art” – considerato tutt'oggi basilare per la comprensione dell'arte concettuale – che sancisce il primato dell’idea sull’esecuzione, attribuendo così maggior rilievo al concetto e al processo rispetto all’oggetto, segnando l’inizio della progressiva riduzione al grado primordiale dell’opera d’arte. Nel testo LeWitt conia il termine “concettuale”, aprendo la strada a un'idea di arte e a un modo di lavorare che sarà – e continua a essere – rilevante per le successive generazioni di artisti. Il compito dell'artista è dunque quello di formulare il progetto, la sua esecuzione invece può essere affidata a chiunque, purché si rispettino le istruzioni stabilite. Il suo credere nell'artista come generatore di idee ha aggiunto una nuova dimensione al suo ruolo, avvicinandola alla figura di un architetto che crea un progetto per un edificio e poi delega la produzione effettiva ad altri.

Tuttavia, il teorema che LeWitt professava è più ampio di quanto s’immagini: è quel certo, misurato, grado di casualità determinato dall’individualità dell’esecutore ad aprire l’opera al pathos della creazione artistica, al senso determinato dalla coerenza interna del sistema linguistico, e dunque dal metodo e non dall’esito di per sé. Muoversi liberi all’interno di regole. Quando ad esempio, in memoria dell’amica Eva Hesse, l’artista introduce nei suoi Wall Drawings “le linee non dritte”, si abbandona alla comprensione (e all’interpretazione) dell’esecutore, rafforzando ulteriormente il disinteresse per ogni forma di estetica a favore dell’attenzione per la regola, rendendo così le sue opere immortali perché capaci di rinnovarsi ogni volta.

È a questo punto che si inserisce il ruolo dell’architettura (e dell’architetto) nella valutazione dell’opera di LeWitt, non solo per l’affinità nella progettualità delle idee, ma per la capacità che entrambi hanno di rimodellare lo spazio. Le opere di Sol LeWitt non possono essere considerate sculture, né opere pittoriche e neanche strutture architettoniche, si tratta piuttosto di Structures forme inserite nello spazio, a metà tra la bidimensionalità e la tridimensionalità. La loro regolarità geometrica le rende “basi” perfette per i suoi disegni a parete, moltiplicabili, trasformabili in pattern e replicabili in un numero infinito di forme bianche, nere, o colorate, solide o aperte. Sono forme che rivelano il loro attaccamento all'immagine piatta ma al tempo stesso sfidano la gravità, innescando una riflessione che unisce dipinti a parete e sculture, creando una porta d’accesso tra “dimensionalità” e “costruzione”. Molte di queste forme sono incuranti dell’ambiente e delle sue caratteristiche, attraversano porte e pareti in continuità con l’architettura senza essere condizionate dalla specificità del luogo in cui si sviluppano, ripercorrendo in questo modo l’intera storia della pittura murale. L’opera si permea di quel luogo ma non è necessariamente pensata per esso, e in questo modo rivela un nuovo spazio metafisico fatto non di linee, cubi o altre forme geometriche, bensì dell’idea di quelle stesse linee, cubi o forme.

La mostra alla Fondazione Carriero nasce dunque dal desiderio di esplorare i confini dell’opera di LeWitt, considerando i suoi postulati all’interno di un nuovo e più libero sistema di verifica, e di proporre una nuova armonia tra figura tridimensionale e superficie bidimensionale.

Between the Lines si inserisce coerentemente nel percorso iniziato dalla Fondazione Carriero con imaginarii (settembre 2015), FONTANA • LEONCILLO Forma della materia (aprile 2016), FASI LUNARI(ottobre 2016) e PASCALI SCIAMANO (marzo 2017), mostre curate da Francesco Stocchi il cui punto cardine è l’approccio dialogico e la tensione costante verso ricerca e sperimentazione.

La mostra è resa possibile grazie alla stretta collaborazione con l’Estate of Sol LeWitt e a prestiti provenienti da prestigiose istituzioni pubbliche, come il Whitney Museum of American Art (New York), e importanti collezioni private, come la Collezione Panza.

Wall Drawings esposti negli spazi della Fondazione Carriero sono eseguiti con la collaborazione di giovani artisti e studenti milanesi, sotto la fondamentale supervisione della Estate Sol LeWitt.

La mostra è accompagnata da un catalogo (italiano e inglese) edito da Fondazione Carriero, curato da Francesco Stocchi, che raccoglie le immagini delle opere allestite in Fondazione, con contributi dei curatori Francesco Stocchi e Rem Koolhaas, un saggio scritto per l’occasione dall’architetto e storica dell’arte Adachiara Zevi e una biografia inedita, illustrata con immagini personali e d’archivio, molte delle quali mai pubblicate prima, curata per l’occasione da Sofia LeWitt, figlia dell’artista.

Close
Close

Kiki Smith “quest”

30 November – 02 March
Tuesday – Saturday
10 am-7.30 pm (closed 1-3 pm)

Opening 29 November from 7pm

Via A. Stradella 1, 4, 7, 20129

View more on Artshell

Raffaella Cortese is pleased to announce Kiki Smith’s fourth solo show at the gallery, following her recent participation in the 57th Venice Biennale.

Kiki Smith, an American artist originally from Germany, is one of the most prominent figures in the contemporary art world. Since the late 70s her research has been centered on the study of identity and the iconography of women. In the first part of her artistic career Smith explored the themes of loss and death through the representation of the interior of our bodies, turning her attention to organs, cell structures and the nervous system. In the following years, Smith's work has evolved to include animals, household items and narratives from classical mythology, also giving great importance to femininity in its intimate and social spheres. The artist's career, which has been developing for nearly four decades, is characterized by a great deal of experimentation both in the choice of techniques - painting, sculpture, design and printing - and in the use of non-traditional materials - from glass to bronze, pottery, porcelain, chalk, paper, latex, hair, beeswax and gold.

On the occasion of this exhibition, a number of drawings and sculptures of female faces from 2016 will be on view. The titles of the drawings – Gift, Sense, Utterance, Flurry, Seek, Pathology, Black Crystal, Capture, Tilt – and those of the sculptures – Send, Surge, Receive, Transmission, Conductor – suggest actions in progress. Consciousness appears to be projected by the faces, which are present in and have similar physiognomic traits thoughout all of the show’s works, except for Conductor, in which a hand is protagonist. The actions suggest an exchange, from the interior to the exterior, and vice versa, that doesn’t reveal the truth about our being or the destiny that awaits us, by raising questions about how we experience our body and the world, as Smith herself stated: “they are drawings of heads talking and seeing and receiving and hearing and transmitting and wondering in the world”.

In works of both mediums, the lines are broken and interrupted, highlighting a fragility and dematerialization that insistently reminds us of the fleeting nature of the human condition. Their narratives combine figurative representation and the cold rigor of formal abstraction to make suspended figures emerge in ethereal and timeless atmospheres. The faces, although they appear fragile, vulnerable and melancholic, reveal a tenacious life force and symbolize the nature of human consciousness. These slender and lonely faces live indefinitely, in a world where rationality and intuition, physicality and invisibility are united.

What emerges is the exploration of a place where sculpture and painting converge, asserting an effort that, following a path that’s as varied as it is consistent, emphasizes a fragmented and fragile, yet always tangible, body. The human condition is the cornerstone of Smith’s analysis, in which death, considered an inevitable conclusion, is seen as an integral part of it.

Raffaella Cortese ha il piacere di annunciare la quarta personale in galleria di Kiki Smith, dopo la sua recente presenza alla 57esima Biennale di Venezia.

Kiki Smith, statunitense di origine tedesca, è considerata una figura di spicco nel panorama internazione dell'arte contemporanea e dalla fine degli anni '70 pone al centro della sua ricerca lo studio dell’identità e dell’iconografia della donna. Nella prima parte della sua carriera artistica Smith si è rivolta all’esplorazione della perdita e della morte attraverso la rappresentazione delle parti interne del corpo, in particolare gli organi, le strutture cellulari e il sistema nervoso. Negli anni successivi il lavoro di Smith si è evoluto per includere animali, oggetti domestici e narrazioni della mitologia classica, dando altresì grande importanza alla femminilità nella sua sfera intima e sociale. La carriera dell’artista, che si sviluppa per quasi quattro decenni, è caratterizzata da una grande sperimentazione sia nella scelta di tecniche – pittura, scultura, disegno e stampa – sia nell’utilizzo di materiali anche non tradizionali – dal vetro al bronzo, dalla porcellana alla ceramica, dal gesso alla carta, dai capelli al lattice sino alla cera d'api e l'oro.

In occasione di questo progetto vengono presentati disegni e sculture realizzati nel 2016 incentrati sul volto femminile. I titoli sia dei disegni – Gift, Sense, Utterance, Flurry, Seek, Pathology, Capture, Tilt, Hoping, Future Sense – sia delle sculture – Send, Surge, Receive, Transmission, Conductor, Foreseen, Shooting Start, Crescent Bird – suggeriscono azioni in svolgimento. La coscienza sembra proiettarsi fuori dal volto, presente con tratti fisiognomici simili in tutte le opere esposte ad eccezione di alcune di esse dove una mano, una stella e un volatile sono protagonisti. Le azioni suggeriscono uno scambio, dall’interno all’esterno e viceversa, non svelando la verità sul nostro essere o il destino che ci aspetta quanto ponendo quesiti circa le modalità in cui facciamo esperienza del nostro corpo e del mondo, come ha affermato la stessa Smith: “Sono disegni di teste che parlano e vedono, ricevono e ascoltano, trasmettono e chiedono nel mondo”.

In entrambi i medium la linea è spezzata e interrotta evidenziando una fragilità e dematerializzazione che insistentemente ci ricorda la caducità della condizione umana. Ancora una volta astrattismo e figurativo vengono fusi nella narrazione dove la rappresentazione figurativa si sposa con il freddo rigore dell’astrazione formale facendo emergere figure sospese in atmosfere eteree e senza tempo. I volti, pur rivelandosi fragili, vulnerabili e malinconici, rivelano una tenace forza vitale e simboleggiano la natura della coscienza dell’uomo. Questi volti, esili e solitari, vivono situazioni indefinite, un mondo ove si fondono razionale e intuitivo, corporeo e invisibile.

Ciò che emerge è l’esplorazione del luogo in cui scultura e pittura si congiungono confermando un lavoro che, seguendo un percorso variegato quanto coerente, enfatizza un corpo frammentato e fragile, ma sempre tangibile. La condizione umana è il fulcro centrale dell’analisi di Smith e la morte, considerata come inevitabile conclusione, è vista come parte integrante di essa.

Alejandro Cesarco “the measures of memory”

30 November – 02 March
Tuesday – Saturday
10 am-7.30 pm (closed 1-3 pm)

Opening 29 November from 7pm

Via A. Stradella 1, 4, 7, 20129

View more on Artshell

Galleria Raffaella Cortese is pleased to present Alejandro Cesarco’s second solo show at the gallery.

Based in New York, Uruguayan artist Alejandro Cesarco works within the aesthetic boundaries set by the conceptual art tradition of the 1960s and 70s, particularly its linguistic aspects, which he enriches with sentimental and melanchonic nuances. The artist investigates the medium of writing and the relationship between text and meaning through his varied production of video, photography, texts, installations, collages and books. His keen interest in the themes of repetition, narration, the practices of reading and translating is perfectly aligned with the conceptual practices he employs, such as cataloging, classification, appropriation and reinterpretation. His research also explores the relationship between words and images in relation to context, experience and subjectivity, while memories and references to the past become essential to understand the present through both autobiographical and literal reminiscences by artists, writers, thinkers. The show, entitled The Measures of Memory, flirts with the possibilities of memory as both the object and instrument of our desires. The exhibition puts in relation different methodologies of documenting, describing, and accounting for the passage of time and the forms used to recall it. In line with Cesarco’s practice, the exhibition carries a rather romantic and at times melancholic tone, that encourages the exploration of notions of personal narrative, style and aging, influence and inheritance.

The gallery’s main exhibition hall features recent works such as The Inner Shadow (2016), an intimate conversation between two people who seem to be aware they are being listened to. The video explores the emotional dynamics of interpersonal relationships where the boundaries between conversation and monologue are blurred, and the conversation, although based on personal words, appears artificial. What emerges is the attempt to sustain desire over a long term. What is negotiated is the difference between who we are and who we were. The video Interlude (2017) is a short and tender portrait of the fleetingness and involuntary nature of memory. This theme is also the subject of Der Familienroman (The Family Novel) (2017), a photographic re-reading of the artist’s father’s Spanish edition of The Complete Works of Sigmund Freud. Cesarco reads Freud through the lens of autobiography, looking at his father’s underlining and notations of Freud’s texts as a script, both descriptive and predictive. The autobiographical approach is also manifested in works as The Difference Between Thirty-Two and Forty- Five (2017), a humorous and literal depiction of the artist’s fears regarding aging as well as a direct wink towards the work of American artist Larry Johnson, and Forty Seven Drawings by Marion Milner (2017), a descriptive listing of all the drawings included in the English psychoanalyst’s classic text on creativity and its impediments, On Not Being Able To Paint. In A Portrait of Sherrie Levine, (2017), a portrait of the artist is created by way of the checklist for Levine’s “Mayhem” retrospective exhibition at the Whitney Museum of Art (NY, 2012).

The exhibition continues in the via Stradella 1 space, where more photographic works are on view. Studies for a Series on Love (Wendy's Hands) (2015), is made up of two portraits of the artist’s partner’s hands, placed on opposite gallery walls, that appear to hold the exhibition space between their grasp. They embrace, hold, caress and support everything and everyone that stands between them. It’s a poetic gesture, apparently fixed within the images, that sets itself free through the viewer’s eyes. The emotional component of Alejandro Cesarco’s artistic research also strongly characterizes the triptych An Abridged History of Regret (2012), a sort of “line drawing” which Cesarco produced by combing through his library, photographing passages of text that reflect on various paths not taken in relation to oneʼs professional and emotional life.

Cesarco’s artistic production is poised in between logical and rational vision, and poetic and emotional perception. Through this play of seemingly discordant tendencies, he brings attention to interpersonal relationships and existential questions about confrontation with oneself and others, also reflecting on the role that language and imagination have in this process. The visitor is called to fill in the gaps left by the artist and therefore complete the work, by creating a personal narrative of memories, influences and desires.

 

Galleria Raffaella Cortese è lieta di annunciare la seconda mostra personale di Alejandro Cesarco.

Uruguaiano di nascita e newyorkese di adozione, Alejandro Cesarco lavora nei confini estetici dell’arte concettuale degli anni 60’ e 70’, in particolare del filone linguistico, arrichendolo di sfumature sentimentali e melanconiche. L’artista indaga il mezzo della scrittura, il rapporto tra testo e significato, mettendo in scena una produzione artistica eterogenea tra video, fotografia, testi, installazioni, collages e libri. Ripetizione, narrazione, pratiche di lettura e traduzione sono da sempre il leitmotiv dei suoi interessi che si coniugano perfettamente con le strategie concettuali che utilizza quali catalogazione, classificazione, appropriazione e reinterpretazione. La sua ricerca esplora inoltre il rapporto tra parole e immagini in relazione al contesto, all’esperienza e alla soggettività mentre la memoria e il riferimento al passato divengono invece fondamentali per la comprensione del presente attraverso sia reminescenze autobiografiche sia letterali di artisti, scrittori, autori, pensatori. La mostra, intitolata The Measures of Memory, gioca infatti con le possibilità della memoria di essere considerata sia come oggetto sia come strumento dei nostri desideri, mettendo in relazione diverse metodologie di documentazione, descrizione e rendicontazione del passaggio del tempo e delle forme usate per rievocarlo. Coerentemente con la pratica artistica di Cesarco, la mostra è caratterizzata da un tono romantico e a tratti malinconico che favorisce l’esplorazione di categorie quali narrazione personale, stile, invecchiamento, influenza ed eredità.

Nello spazio principale della galleria sono esposte opere di recente produzione come The Inner Shadow (2016), un’intima conversazione tra due amanti che sembrano consapevoli di essere osservati. Il video esplora le dinamiche emozionali nelle relazioni interpersonali dove i confini tra dialogo e monologo sono vaghi e la conversazione, pur basandosi su parole personali, appare artificiosa. Quello che emerge è il tentativo di sostenere il desiderio a lungo termine. Ciò che viene negoziato è la differenza tra chi siamo e chi eravamo. Nel video Interlude (2017) è invece mostrato un breve e tenero ritratto dell’inconsapevole e provvisoria natura della memoria. Questa diviene il soggetto dell’opera fotografica Der Familienroman (The Family Novel) (2017), una rilettura dell’edizione spagnola del testo The Complete Works of Sigmund Freud di propritetà del padre dell’artista. In questo modo Cesarco rilegge Freud attraverso le lenti dell’autobiografia, focalizzando l’attenzione sulle sottolineature e sugli appunti annotati dal padre, descrittivi e profetici allo stesso tempo. La linea autobiografica emerge anche in opere come The Difference Between Thirty-Two and Forty-Five (2017) – una rappresentazione umoristica e letterale delle paure di Cesarco sull'invecchiamento con uno sguardo verso il lavoro dell’artista americano Larry Johnson – e in Forty Seven Drawings by Marion Milner (2017) – un elenco descrittivo di tutti i disegni inclusi nel classico testo psicoanalista inglese sulla creatività e sui suoi impedimenti, dal titolo On Not Being Able to Paint. In A Portrait of Sherrie Levine (2017) ritrae l’artista concettuale statunitense attraverso la lista delle opere presenti nella retrospettiva Mayhem ospitata al Whitney Museum of Art (New York, 2012).

L’esposizione continua nello spazion al n.1. dove vengono presentati altri lavori fotografici, tra cui l’opera Studies for a Series on Love (Wendy's Hands) (2015), composta da due immagini poste una di fronte all’altra, procura la sensazione di trattenere, stringere e quasi proteggere tutto ciò che è presente nella stanza, come persone e oggetti. È un gesto poetico, apparentemente immobilizzato nell’immagine ma che poi si libera e compie il suo corso attraverso gli occhi di chi lo guarda. La componente emotiva della ricerca artistica di Cesarco caratterizza fortemente anche il trittico An Abridged History of Regret (2012), seguenze di estratti di testo fotografati e accostati riflettono sulle strade di vita professionale e personale non intraprese. Brani che si legano tra loro in una narrazione, logica e spezzata al tempo stesso, da cui emerge un’intensa analisi grammaticale delle emozioni e dei sentimenti.

Una produzione artistica in bilico tra una visione logica e razionale e una percezione poetica ed emotiva, un gioco che pone al centro della sua attenzione i rapporti interpersonali e i quesiti esistenziali sul confronto con sé stessi e gli altri, riflettendo altresì sul ruolo che linguaggio e immaginazione hanno in questo processo. Il visitatore è chiamato a riempire i vuoti lasciati in sospeso dall’artista e, dunque, a completare l’opera creando una narrazione personale di ricordi, influssi e desideri.

Close
Close

Jim Hodges “turning pages in the book of love”

29 November – 31 March
Tuesday – Saturday
11 am – 7 pm

Opening 28 November From 7pm to 9pm

Palazzo Belgioioso
Piazza Belgioioso 2, 20121

View more on Artshell

Massimo De Carlo is pleased to present turning pages in the book of love, the first exhibition by the artist Jim Hodges with our gallery, conceived and created for the historically significant Palazzo Belgioioso in Milan.   Upon entering the exhibition, the viewer encounters a subtle atmosphere of light and shadows. A room within a room hosts a cabinet made of wood and its multiple skins of lacquer, gold, and silk, housing an object made of light and glass. In the second room a sculpture of two interlaced arms made in white Michelangelo marble lay upon a rock made of black Colonnata marble as they hold a rose made of gold. Behind the marble sculpture is a large scale diptych, that is part of one of Jim Hodges’ new series of paintings created with glitter and other mediums, evokes the artist’s interest in the process of creating through gesture and immediacy. In the 18th century antique library reading room of Palazzo Belgioioso, the viewer encounters a precious object held by two intertwined hands - solemn and charmed, immersed in a red velvet tent. In the garden of the palazzo, used for an exhibition for the first time, the artist has positioned a transformed root of a giant redwood into a deconstructed gilded bronze sculpture. Since the late 1980’s Jim Hodges has employed a broad range of everyday and precious materials to create works that transform the quotidian object into a site where the personal, political, and universal merge through simple gesture and poetic command.  Taking up varied modes of process and production, Hodges' practice resists the definitional aims of discourse, instead offering multilayered works that evoke resonant themes such as identity and mortality. Glitter, bronze, fabric, gold, marble, glass and other materials have become part of the construction of a narrative on fragility, ephemerality, love and loss. turning pages in the book of love is Jim Hodges’ first exhibition in Milan. 

Massimo De Carlo presenta turning pages in the book of love, la prima mostra personale dell’artista americano Jim Hodges in galleria, le cui opere sono state concepite e realizzate per gli spazi storici di Palazzo Belgioioso a Milano.   Nella prima sala un gioco di luci e ombre accompagnano lo spettatore all’interno di una stanza (grande come lo spazio che la contiene) al cui interno si trova un mobile di legno composto di diversi strati, laccato, coperto d’oro e con inserti di seta, che a sua volta ospita una scultura costruita di vetro e di luce.  Al centro della seconda stanza due mani scolpite in marmo bianco Michelangelo, adagiate su una roccia di marmo nero di Colonnata, custodiscono una rosa d’oro. La stanza è illuminata da un dittico composto di due grandi dipinti rossi - parte di un nuovo corpo di lavoro di Jim Hodges in cui ogni quadro è creato grazie alla sovrapposizione di strati di vernice, glitter e altri materiali - che sottolinea l’interesse dell’artista per l'istantaneità e la gestualità del processo creativo. Nella sala più piccola, che nel diciottesimo secolo era la sala da lettura della biblioteca di Palazzo Belgioioso, una tenda di velluto rosso, imponente e solenne, cela al suo interno due mani intrecciate che proteggono un piccolo oggetto prezioso. Nel giardino del palazzo, usato qui eccezionalmente per la prima volta, l’artista ha collocato una scultura di bronzo nero e dorato che trasfigura le radici di una sequoia gigante.   L’universo artistico di Jim Hodges è stato caratterizzato dalla fine degli anni ’80 dall’utilizzo combinato di materiali poveri e preziosi. L’artista, grazie alla sua direzione e piccoli gesti, trasforma oggetti della vita quotidiana in luoghi metafisici in cui il personale, il politico e l’universale si confondono. La pratica artistica di Hodges – le cui serie di opere utilizzano molti processi creativi e modalità di produzione – resiste alle definizioni tradizionali e offre spunti di riflessione sull’identità e sulla moralità. Materiali come il bronzo, il glitter, i tessuti, l’oro, il marmo o il vetro diventano parte integrante della costruzione di un discorso sulla fragilità e sull’effimero, sull’amore e sulla morte.   turning pages in the book of love è la prima mostra di Jim Hodges a Milano. 

Olivier Mosset

24 January – 10 March
Tuesday – Saturday
11 am – 7 pm

Opening 23 January from 7 pm

Lambrate/Ventura
Via G. Ventura 5, 20134

View more on Artshell

Close
Close

Manon Wertenbroek and Shirana Sahbazi “Capovolto”

07 February – 17 March
Monday – Friday 10.30 am - 5.30 pm
Saturday 2 - 6 pm

Opening 06 February from 6.30 pm

Via del Vecchio Politecnico 3, 20121

View more on Artshell

The Istituto Svizzero is pleased to present a two-person exhibition by Swiss artists Manon Wertenbroek (Paris) and Shirana Shahbazi (Zurich), “Capovolto”.
This exhibition plays with the suggestive nature of its words with the title—suggested by Wertenbroek—Capovolto, translated as Overturned, as a guiding principle. Perception of the space is turned upside down thus destroying the points of reference within the architecture of the Istituto Svizzero as we know it. The two artists create an immersive environment: colour is present throughout, opposite sides of the gallery are flanked by two wall paintings by Shirana Shahbazi, and four engraved mirrors by Manon Wertenbroek create constant moving reflections disorienting the viewer. The works’ appearance is constantly in flux. Both artists investigate and play with photography’s technical restrictions and set new ways for its use.  
Wertenbroek’s Courtly Love, Amaryllis, Mixed Feelings Melody, and Dewdrops (all 2018), have been composed with a reiterated process of engraving and partial printing on PVC mirror. These works which have been intervened upon again with silkscreen varnish, bring forth texture and depth, thus distancing themselves from their photographic origins. The mirror’s reflection shows us both what is real what is invented creating new visual possibilities. 
Along with Shahbazi’s wall paintings, two monochromatic C-prints: Raum Rot (2017) and Raum Blau (2017) hang on the walls of the space. The images and coloured surfaces oscillate between surface and depth, catalysing the emergence of new conceptual spaces.
This exhibition is linked to the Pro Helvetia programme Promotion de la relève dans les arts visuels, through which the two artists had the chance to meet.

L’Istituto Svizzero presenta “Capovolto”, una doppia personale delle artiste svizzere Manon Wertenbroek (Parigi) e Shirana Shahbazi (Zurigo).
La mostra gioca con la natura allusiva del titolo, suggerito da Wertenbroek, utilizzandolo come linea guida. La percezione dello spazio è appunto capovolta, mettendo perciò in crisi i punti di riferimento all’interno dell’architettura dell’Istituto Svizzero, come lo conosciamo. Le due artiste creano un ambiente immersivo, nel quale la presenza del colore è preponderante. Sui lati opposti della galleria vivono due pitture murali di Shirana Shahbazi, mentre quattro specchi incisi di Manon Wertenbroek creano dei riflessi che, producendo un costante movimento, tendono a disorientare lo spettatore: l’aspetto dell’opera è in continuo mutamento. Entrambe le artiste investigano e giocano con le restrizioni tecniche della fotografia, cercando nuovi modi per il suo uso.
I lavori di Wertenbroek, Courtly Love, Amaryllis, Mixed Feelings Melody e Dewdrops (tutti 2018), sono stati creati attraverso processi reiterati di incisione e di stampa parziale su uno specchio in PVC. Questi lavori, sui quali l'artista è nuovamente intervenuta con della vernice serigrafica, accentuano la consistenza e la profondità, distanziandosi dalle loro origini fotografiche. Il riflesso dello specchio ci mostra ciò che è reale e al tempo stesso decostruito, creando nuove possibilità visive.
Insieme alle pitture murali di Shahbazi, due stampe cromogeniche sono appese al muro dello spazio: Raum Rot (2017) e Raum Blau (2017). Le immagini e le superfici colorate oscillano tra lo strato superficiale e la profondità, facendo emergere nuovi spazi concettuali.
La mostra è collegata al programma di Pro Helvetia Promotion de la relève en arts visuels, attraverso il quale le due artiste hanno avuto l’opportunità di incontrarsi e collaborare.

Close
Close

Nicolas Party

12 February – 31 March
Tuesday – Saturday
11 am – 7.30 pm

Opening 12 February from 6.30 pm

Via di Porta Tenaglia 7, 20121

View more on Artshell

Close
Close

“900 – 815, 85 – 40, 1962 – 1974 posters” A selection from Luciano Zagari collection
Curated by Daniele Innamorato

20 December – 16 March
By appointment only

Opening 20 December From 7pm to 9pm

Via Paullo 2A, 20135

View more on Artshell

Marsèlleria hosts a show dedicated to a selection of art posters, dating back to the period 1962 - 1974, coming from the most important European and American art galleries. The exhibition title “900 – 815, 85 – 40, 1962 – 1974” refers to the history of this special collection. It has initially been built by collector Luca Crippa (1922-2002), coming to the great number of 900 specimen, and has then been discovered and brought to light by Luciano Zagari, who selected 85 posters to print a catalogue. The book is focused on a particular historical period, the one of the ‘60s and ’70s, and on some specific figures such as De Dominicis, Boetti, Judd, Andre, Christo, Lo Savio, Buren, Pistoletto… These are images building a precise path among the avant-gardes: Minimal Art, Conceptual Art, Arte povera, Land Art. Daniele Innamorato, artist, collector and art books enthusiast, offers for the first time, in the spaces of Marsèlleria, an exhibition path dedicated to the images of this universe and of a particular time in art history, also made up of legendary places such as Galleria La Salita, Sperone, Dawn Gallery, Leo Castelli Gallery… Accompanying the show, a series of rare and important artists books is to be found. On the occasion of the opening, the show hosts an happening for the launch of a present time artist poster, the one realized by Luca Vitone E IL TOPO: with the title “Autoritratto”, this is Red letter Edition Issue #5 of the artist run magazine.

Opening hours: 21 - 22 December, 10 am - 1 pm e 2 - 6 pm
From 2 January to 16 March by appointment only

Marsèlleria ospita una mostra dedicata a una selezione di poster e manifesti d’arte, datati tra il 1962 e il 1974 e provenienti dalle principali gallerie d’Europa e d’America. Il titolo della mostra “900 – 815, 85 – 40, 1962 – 1974” fa riferimento alla storia di questa speciale raccolta. Inizialmente costituita dal collezionista Luca Crippa (1922-2002) fino a raggiungere il numero di 900 esemplari, viene scoperta e riportata alla luce da Luciano Zagari che seleziona 85 poster per dare alle stampe un catalogo. Il libro si concentra su un periodo storico particolare, compreso tra gli anni ‘60 e gli anni ‘70, e su alcune figure quali De Dominicis, Boetti, Judd, Andre, Christo, Lo Savio, Buren, Pistoletto, Lewitt… Si tratta di immagini che ricostruiscono un percorso preciso tra le avanguardie: Minimal Art, Conceptual Art, Arte povera, Land Art. Daniele Innamorato, artista e a sua volta collezionista e appassionato di libri d’artista, offre per la prima volta, negli spazi di Marsèlleria, un percorso espositivo dedicato alle immagini di questo universo e di un particolare momento della storia dell’arte, fatto anche di luoghi leggendari come Galleria La Salita, Sperone, Dawn Gallery, Leo Castelli Gallery… Ad accompagnare il percorso, anche una serie di rari e importanti libri d’artista. In occasione dell’opening la mostra ospita un happening per la presentazione di un manifesto d’artista contemporaneo, quello realizzato da Luca Vitone E IL TOPO: intitolato “Autoritratto” è l’Issue #5 della Red Letter Edition dell’artist run magazine.

Orari di apertura: 21 - 22 dicembre, 10 - 13 e 14 - 18
Dal 2 gennaio al 16 marzo su appuntamento

Chelpa Ferro “Spacemen/Cavemen”

19 January – 02 March
Monday – Friday
10am-6pm (closed 1-2 pm)

Opening 18 January from 7 to 9 pm

Via Privata Rezia 2, 20135

View more on Artshell

Chelpa Ferro is an old colloquial Portuguese term for money, chosen by the artists because of its sound. Chelpa Ferro’s eclectic work explores the plasticity of the sound and its dynamics through sculptures, objects, installations and music performances that challenge the senses of the viewer by using every day objects. 
Displayed in Italy for the first time, Spacemen/Cavemen is composed by different materials, suspended a few centimeters above the floor; they reproduce lights, sounds and music composed by the artists, with a dense and apparently incomprehensible dialogue among the installation elements.
The insert of technological elements on common materials, also obsolete ones, gives them a new sense and a new voice, creating a confusion in the recognition of sense, time and space coordinates in which the work could fit; but, as it is evident from the title itself, space men and cave men are very different, but coexist in the realm of the same species, making it difficult to find a clear position.
Chelpa Ferro is an art group formed in 1995 by the Brazilian artists Barrão, Luiz Zerbini and Sergio Mekler.
The group participated to numerous shows and biennials, such as São Paulo and Venice when, in 2005, it represented Brazil. Chelpa Ferro released four albums and played live concerts in the UK, United States and Europe. In 2010 the group was shortlisted for the Nam June Paik Award, International Media Art Award of the Arts Foundation of North Rhine, Westphalia, Germany.

Formato dagli artisti Barrão, Luiz Zerbini e Sergio Mekler, questo progetto artistico prende il nome da un antico termine colloquiale portoghese per indicare il denaro, scelto dal gruppo per la sua sonorità. La loro ricerca esplora in maniera eclettica la dimensione plastica del suono e le sue dinamiche attraverso l'utilizzo di sculture, oggetti, installazioni e performance sonore che mettono in gioco il punto di vista dello spettatore nei confronti degli oggetti quotidiani. L’opera viene esposta per la prima volta in Italia dopo la presentazione a Londra da Sprovieri nel giugno 2017. Spacemen/Cavemen si compone di diversi materiali, collegati e sospesi a pochi centimetri da terra; questi riproducono luci e suoni creati appositamente dagli artisti, con un dialogo serrato e apparentemente incomprensibile tra i diversi elementi. L’innesto di elementi tecnologici su materiali comuni, anche antiquati, fornisce loro un nuovo senso e una nuova voce creando uno spaesamento nell’individuazione di coordinate di senso, temporali e spaziali in cui inserire l’opera; come d’altronde è chiaro fin dal titolo, uomini dello spazio e uomini delle caverne sono estremamente distanti, ma convivono all’interno della stessa specie, rendendo quindi difficile una netta collocazione. Sulla dignità dei suoni e dei materiali “umili” il lavoro del gruppo ha sempre insistito, anche recuperando esempi e tradizioni cari alla storia dell’arte, insieme a idee e realizzazioni fortemente contemporanee. Lo stratificarsi della storia e le potenzialità, spesso differenti da quelle usuali, degli oggetti crea un ambiente che invita all’interazione, che il visitatore è spinto ad assecondare, prendendo parte al racconto portato dall’opera, “entrando” fisicamente in essa e riflettendo sull’uso, sul consumo, sulle consuetudini culturali che accompagnano oggetti e suoni. Chelpa Ferro è un collettivo formato dagli artisti Barrão, Luiz Zerbini e Sergio Mekler, nato nel 1995 a Rio De Janeiro, Brasile. Barrão è un artista riconosciuto internazionalmente già dagli anni 80, quando utilizzava materiali banali come componenti di frigoriferi, pezzi di televisioni e altri frammenti di elettrodomestici per creare sculture ricche di ironia. Luiz Zerbini è uno dei più famosi pittori brasiliani e Sergio Mekler uno dei più raffinati video e cinema editor del Brasile. Il gruppo ha fin dall’esordio esposto in Brasile e internazionalmente in gallerie e musei e partecipato a diverse biennali come quella di São Paulo nel 2002 e 2004 e la Biennale di Venezia nel 2005, dove ha rappresentato il Brasile. Chelpa Ferro ha pubblicato quattro album e organizzato numerosi concerti live in Inghilterra, Europa e Stati Uniti. Nel 2010 il gruppo è stato nominato per il Nam June Paik Award, International Media Art Award della Arts Foundation of North Rhine, Westphalia, Germania. Grazie a Galleria Sprovieri, Londra.

Close
Close

Becky Beasley “Late winter light”

24 January – 12 March
Tuesday – Saturday
11 am – 7.00 pm

Opening 23 January from 7 pm

Via Massimiano 25, 20134

View more on Artshell

Close
Close

Osgemeos “Efêmero”
curated by Cedar Lewisohn

21 April – 23 April
Thursday – Sunday
10 am-10 pm

Opening 20 April

Via Chiese 2, 20126

View more on Artshell

Pirelli HangarBicocca presents the new public mural, Efêmero, the first large-scale mural in Italy by OSGEMEOS, who are among the world’s most renowned contemporary artists. This work on the outer walls of Pirelli HangarBicocca, to be inaugurated on April 20, 2016, is part of the new three-year project “Outside the Cube," which will involve innovative new approaches to art in public space and a rich calendar of parallel events. The industrial site of Pirelli HangarBicocca, where in the last century trains were made, will become the ideal setting for the work of OSGEMEOS and the many artists to follow.

The project at Pirelli HangarBicocca will delve deeper into the artist’s unique universe of mysterious symbolism and alternative realities. OSGEMEOS’s works often huge in scale, matched with its distinctive patterns and colour schemes, referencing the natural world and improvisation of Sao Paulo. The project will explore the history and spectacular architectural setting of Pirelli HangarBicocca, using the site as a starting point for an iconic new production. The mural will not only be painted on the buildings facade but be incorporated into the buildings architecture. This is an ongoing theme in the artists work, to create murals that transform the facade of a building into a new structure. The project will be accompanied by a limited edition catalogue designed by the artists. The book will explore further the artists history of architectural interventions and include images of their works that have repurposed the built environment.

Curated by artist and writer Cedar Lewisohn - who has authored many publications on art, and curated the exhibition “Street Art at Tate Modern” in 2008 - the project by OSGEMEOS will occupy the two outer walls of Pirelli HangarBicocca’s Cubo space, covering a total area of a thousand square meters. It will also be visible from the nearby train tracks and from the street.

OSGEMEOS, literally meaning “the twins,” is the pseudonym of Brazilian twin brothers Gustavo and Otavio Pandolfo (b. 1974 in Sao Paulo). This artistic duo, whose roots are in hip-hop culture and graffiti, began in the 1980s to develop a highly sophisticated oeuvre recognizable for its dreamlike landscapes and poetic figures, drawing on a vast range of cultural, social and political references.

Eva Kot’átková “The Dream Machine is Asleep”
Curated by Roberta Tenconi

15 February – 22 July
Thursday – Sunday
10 am-10 pm

Opening 14 February from 7 pm

Via Chiese 2, 20126

View more on Artshell

The work of Eva Kot’átková (born 1982 in Prague) investigates the internal and external forces that influence human behavior, in particular the institutional rules and educational systems that can manipulate and produce situations of control.
For “The Dream Machine is Asleep,” Kot’átková presents a compelling selection of her installations, sculptures, collages, and performative works, focusing on the idea of the human body as a machine and an organ that continues to function while sleeping, creating parallel inner worlds.
Drawing on personal experiences and a recent body of work—like the multimedia installation Stomach of the World (2017)—for this show in Milan, Kot’átková transforms the exhibition space into a labyrinthine organism in which to explore private thoughts, intimate visions, and dreams, as well as the anxieties and struggles of contemporary society.

L’opera di Eva Kot’átková (Praga, 1982) indaga le forze intrinseche ed estrinseche che influiscono sul comportamento umano, come le norme e i sistemi educativi che possono manipolare e generare situazioni di controllo.
Per “The Dream Machine is Asleep” Kot’átková presenta una coinvolgente selezione di nuove  installazioni, sculture, collage e opere performative, incentrate sulla concezione del corpo umano come macchina e organo che continua a svolgere le sue funzioni durante il sonno, creando mondi interiori paralleli.
Sulla base delle sue esperienze personali e del recente corpus di opere – come l’installazione video Stomach of the World (2017) – l’artista trasforma lo spazio espositivo in un organismo labirintico attraverso il quale esplorare pensieri privati, visioni intime e sogni ma anche le paure e le sfide della società contemporanea.

Close
Close

SLIGHT AGITATION 3/4: GELITIN

20 October – 26 February
Mon / Wed / Thu, 10 am-8 pm
Fri / Sat / Sun, 10 am-9 pm

Opening 19 October From 7pm to 9pm

Fondazione Prada
Largo Isarco 2, 20139

View more on Artshell

Fondazione Prada will present “Slight Agitation 3/4: Gelitin”, the third chapter of the exhibition project conceived by Fondazione Prada Thought Council, whose members are Shumon Basar, Cédric Libert, Elvira Dyangani Ose, and Dieter Roelstraete. The press preview will be held on Thursday 19 October from 10 am to 1 pm.

“Slight Agitation”, a four-part project of newly commissioned, site-specific works hosted in sequence within the Cisterna in the Milan venue of Fondazione, continues with a third instalment by the Austrian collective Gelitin. Their work follows on from Tobias Putrih (Slovenia, 1972) and Pamela Rosenkranz (Switzerland, 1979), while Laura Lima (Brazil, 1971) will produce the final chapter.

Following Tobias Putrih’s installation which engaged with ideas of play, politics and emancipation and Pamela Rosenkranz’s intervention that offered visitors a multi-sensory immersion into a new perception of embodiment and collectivity, Gelitin present a project titled POKALYPSEA-APOKALYPSE-OKALYPSEAP. Three large sculptures explicitly address classical architectural archetypes (the triumphal arch, the obelisk and the amphitheater), subverting their rhetoric and monumental components. Symbols as much as structures conceived for everyday inhabitation, these sculptures draw an arc from the insular and individual to the open-ended and collective, from the overtly erotic to the sublimated joy of togetherness. This intervention is indicative of the group’s artistic practice which, since the 90’s, has experimented with the reinterpretation of totalitarian art and performance, developing a radical attitude towards institutions. Their work has anticipated the codes of relational aesthetics and invented a sculptural language and approach to installation that are anarchic and irreverent.

The central space of the Cisterna is occupied by Arc de Triomphe (2003 / 2017), the reproduction of an elephant-high male figure, bending over backwards, made of plasticine. As much as the shape and the dimensions of this sculpture are reminiscent of the roman arch, the presence of a fully functioning water fountain, incorporated as a phallic element, transforms the exhibition space into a collective one, truly manifesting Gelatin’s liberating artistic approach.

In the left-hand space there is a giraffe-high sculpture, made up of polystyrene blocks, that could resemble a typical Inuit construction, a monumental obelisk or a cigar on top of a big table.

The third of the three sculptures, a wooden upward spiral, is reminiscent of an antique amphitheater.

Not only can visitors enter the sculpture and sit on the bleachers, but they are also invited to smoke a cigarette in the center of the installation. Those who decide to share this banal action with the other members of the audience become the protagonists of a short, ephemeral act that, according to Gelitin, positions itself somewhere between Samuel Beckett’s Theater of the Absurd and a karaoke performance.

As stated by Dieter Roelstraete, “in the tripartite story of POKALYPSEA-APOKALYPSE- OKALYPSEAP the fundamental question is one that quite literally questions the fundaments of sculpture as given, for instance, in the traditionally three-fold way of matter’s manifestation in the known universe: solid (plasticine, styrofoam, wood), liquid (the triumphal arch’s well-aimed water jet), gas (cigarette smoke, the settling dust all around); or in the liquid logic of matter’s preferred paths of ‘transitioning’—freezing and melting; condensing and evaporating”

The title of the project - “Slight Agitation”- was inspired by the poetic expression “une légère agitation”, employed by the French historian Fernand Braudel to describe the tidal movement of the Mediterranean. This metaphor reflects the Thought Council’s starting point in presenting interventions by artists whose practices differ considerably in philosophical and material terms, all of them commissioned to interfere and dialogue with the spatial context of the Cisterna, and to influence the viewer’s physical experience and all her or his attendant senses through their works.

“Questioning Pictures: Stefano Graziani”

09 November – 26 February
Mon / Wed / Thu, 10 am-8 pm
Fri / Sat / Sun, 10 am-9 pm

Opening 09 November from 2 pm

Fondazione Prada/ Osservatorio
Fondazione Prada/ Osservatorio, 20121

View more on Artshell

La mostra, curata da Francesco Zanot, include un nuovo corpus di opere commissionate dalla Fondazione che esplorano la fotografia come strumento di narrazione, catalogazione e reinterpretazione.

Graziani indaga sistemi di archiviazione e conservazione di musei come il Canadian Centre for Architecture (CCA) di Montreal, il Sir John Soane’s Museum di Londra, il Kunstmuseum Basel, il Museum Insel Hombroich di Neuss, il Museo di Castelvecchio a Verona e la gipsoteca del Museo Canova a Possagno, concentrandosi sul rapporto ambivalente tra fotografia e oggetto museale. Il fotografo si muove su un territorio ambiguo: da una parte svolge un lavoro di documentazione di materiali diversi come disegni e modelli architettonici, libri, fotografie e dipinti, dall’altra intraprende un percorso di interpretazione attraverso un uso attento delle luci e degli angoli di ripresa e l’inclusione nei suoi scatti di elementi di disturbo. Le sue fotografie non solo rivelano raccolte museali e archivi a cui solitamente il pubblico non ha accesso, ma li riattivano secondo logiche e prospettive del tutto soggettive.

Come sostiene Francesco Zanot, “Questioning Pictures” è “una sorta di crash-test progettato per verificare la capacità del museo di resistere agli attacchi esterni e aumentarne proporzionalmente la porosità. Trasforma l’invisibile in visibile scongiurando l’eventualità di una successiva inversione di questi termini, e mettendo così in luce uno dei principali meccanismi attraverso cui i musei generano e controllano il proprio potere. Anche le norme imposte dai musei per la riproduzione dei materiali in collezione svolgono la medesima funzione. Graziani le elude sistematicamente compiendo un atto di resistenza. È un gesto di disobbedienza civile esercitato attraverso l’adozione di un rigore etico e formale che ricorda le fotografie di Walker Evans e Lewis Baltz. Si confronta con un dato indiscutibile: ‘Poiché la macchina fotografica è letteralmente un apparecchio per archiviare, ogni fotografia è... a priori un oggetto d’archivio’, come sostiene Okwui Enwezor. E si impegna nella fabbricazione di un anti-archivio”.

Attraverso un dispositivo allestitivo, concepito dallo studio OFFICE Kersten Geers David Van Severen come un sistema di paraventi colorati e modulabili, disposti sui due livelli dell’Osservatorio, si creano degli accostamenti visivi e semantici inaspettati tra le fotografie e tra gli oggetti rappresentati. Il modello di un edificio di Aldo Rossi è collegato a un disegno di Gordon Matta-Clark, un album fotografico di fine Ottocento su Pompei è accostato a un plastico del Pantheon in mostra al Sir John Soane’s Museum di Londra, un gesso di Antonio Canova conservato a Possagno dialoga con le Tre Grazie di Lucas Cranach esposte al Kunstmuseum Basel e ancora una maquette di un progetto utopico di Cedric Price è associata a un prototipo di tavolo disegnato da Mies van der Rohe. Ciò che unisce questo

insieme eterogeneo di oggetti e opere d’arte è il pensiero di Graziani, la cui visione li trasforma in nature morte, disorientanti e inattese. “Enigmatiche proprio come la natura della fotografia che emerge qui in maniera lampante: documento-non-documento”, come osserva Zanot.

In questo progetto, la fotografia funziona inoltre come un nastro trasportatore, un collettore, un veicolo di trasmissione in grado di ricollocare e accostare opere lontane nello spazio e nel tempo e spesso impossibili da trasferire concretamente da un luogo all’altro. Inoltre opera come uno strumento che, attraverso sottili deviazioni, minime alterazioni e interpretazioni personali, scardina i sistemi di archiviazione e catalogazione tradizionali per conferire una nuova visibilità, e quindi una nuova vita, a documenti, materiali e opere d’arte conservati in raccolte museali. All’interno di questi archivi Graziani introduce dei “virus visivi e intrepretativi” e compie un’azione di “hackeraggio” che innesca una catena potenzialmente infinita di nuove analisi ed enigmi.

“Post Zang Tumb Tuuum. Art Life Politics: Italia 1918-1943”

18 February – 25 June
Mon / Wed / Thu, 10 am-8 pm
Fri / Sat / Sun, 10 am-9 pm

Opening 18 February from 10 am

Fondazione Prada
Largo Isarco 2, 20139

View more on Artshell

“Post Zang Tumb Tuuum. Art Life Politics: Italia 1918–1943,” curated by Germano Celant, is exhibition that explores the world of art and culture in Italy in the interwar years. Based on documentary and photographic evidence of the time, it reconstructs the spatial, temporal, social and political contexts in which the works of art were created and exhibited, and the way in which they were interpreted and received by the public of the time.

Between 1918 and 1943 Italy was marked by the crisis of the liberal state and the establishment of fascism, and by the ongoing interdependence of artistic research, social dynamics and political activity. As emphasized by Jacques Rancière in his book Le partage du sensible. Esthétique et politique (The Politics of Aesthetics. The Distribution of the Sensible) (2000), art never exists in abstraction, but comes into being and takes shape within a given historic and cultural context. From this point of view, political and aesthetic aspects are interwoven. Taking this hypothesis as a starting point, the documents and photographs that prompted the selection of works in the exhibition offer a record of the artistic and cultural production of the period, taking into account the multifaceted contexts and settings in which it was exhibited: these include artists’ studios, private collections, large public events and exhibitions of Italian art both in Italy and abroad, architectural designs and city planning, graphic arts and the first examples of industrial furniture production. According to Germano Celant, the documentation found and presented in this exhibition “offers a summary of the communicative function of a work of art, and tells a real story that lies outside of the theoretical discourse of an artifact.” As “means of cultural understanding”, an expression coined by David Summers, “they ensure that an art object has a particular territory, that of appearing to a broader audience, in given social and political situations.”

The investigation was carried out in partnership with archives, foundations, museums, libraries and private collections and has resulted in the selection of more than 500 paintings, sculptures, drawings, photographs, posters, pieces of furniture, and architectural plans and models created by over 100 authors. In “Post Zang Tumb Tuuum. Art Life Politics: Italia 1918–1943,” these objects are displayed with period images, original publications, letters, magazines, press clippings, and private photographs in order to raise the issue of the decontextualization within any standard exhibition presentations, in which a work of art traditionally becomes a neutral, isolated object. If, on the other hand, the material and physical conditions of its original presentation are recreated, the opportunity is given not only to explore the complex relations between creators, gallerists, art critics, ideologues, politicians, collectors, patrons and viewers, but also to investigate the concept of the exhibition in its different forms, as a quintessential element in the range of the symbolic forms of the period. Furthermore, this approach underlines how the exhibition of national products and images—even in international settings—was used by the fascist regime as a flexible, adaptable, modern and practical means to reshape Italian people and mold their experience of the world.

The exhibition design, conceived by New York studio 2×4 in conjunction with the curator, provides an immersive experience consisting of twenty partial reconstructions of public and private exhibition rooms. These full-size recreations from period photographs contain original works by artists such as Giacomo Balla, Carlo Carrà, Felice Casorati, Giorgio de Chirico, Fortunato Depero, Filippo de Pisis, Arturo Martini, Fausto Melotti, Giorgio Morandi, Scipione, Gino Severini, Mario Sironi, Arturo Tosi, and Adolfo Wildt, among others. This presentation renews the reciprocal relationship between an artistic expression and its context, the latter in the form of furnishings, architectural elements, decoration and manners of display, so as to offer a deeper understanding of the exhibited works and their creators, and to provide a more detailed interpretation of Italian art history. This way, the dialectics are revisited between individual creators and representatives of movements, groups and tendencies like Futurism, Valori Plastici, Novecento, the Roman School, the so-called Les Italiens de Paris, the abstractionists and Corrente. These movements, with their expressive eclecticism and pluralism, all contributed to the enlivenment of the artistic and cultural scene in Italy marked by the coexistence of the avant-garde with “the return to order”, experimentation with realism, and intimism with propaganda.

Consideration of the contemporary social, political and vital context is provided by the exhibition’s presentation of architectural plans, urban planning and large official expositions like the Mostra della Rivoluzione fascista (1932), the Esposizione dell’Aeronautica Italiana (1934), the Mostra Nazionale dello Sport (1935) and the major design for the E42 project. The exhibition’s presentation is punctuated by thematic focuses dedicated to politicians, intellectuals, writers and thinkers (like Giuseppe Bottai, Piero Gobetti, Antonio Gramsci, Carlo Levi, Alberto Moravia, Luigi Pirandello, Margherita Sarfatti and Lionello Venturi) that developed their own autonomy by actively participating in or remaining indifferent to the regime’s recommendations, or, in contrast, being subjected to or criticizing the impositions it meted out in the political, cultural and artistic domains.

Il progetto espositivo “Post Zang Tumb Tuuum. Art Life Politics: Italia 1918-1943”, a cura di Germano Celant, esplora il sistema dell’arte e della cultura in Italia tra le due guerre mondiali, partendo dalla ricerca e dallo studio di documenti e fotografie storiche che rivelano il contesto spaziale, temporale, sociale e politico in cui le opere d’arte sono state create, messe in scena, nonché vissute e interpretate dal pubblico dell’epoca.

Il periodo storico tra il 1918 e il 1943 è caratterizzato in Italia dalla crisi dello stato liberale e dall’affermazione del fascismo, nonché da una costante interdipendenza tra ricerca artistica, dinamiche sociali e attività politica. Come ha sottolineato Jacques Rancière nel suo libro “Le partage du sensible. Esthétique et politique” (2000), l’arte non esiste mai in astratto, ma si forma e prende forma in un determinato contesto storico e culturale. In questo senso l’aspetto politico e quello estetico sono inscindibili. Partendo da questo assunto, le testimonianze fotografiche e testuali che sono all’origine della selezione delle opere in mostra, documentano la produzione artistica e culturale del periodo tenendo conto di una pluralità di aspetti e ambienti in cui è realizzata ed esposta: dall’atelier d’artista alle collezioni private, dalle grandi manifestazioni pubbliche alle esposizioni e rassegne d’arte italiana in ambito nazionale e internazionale, dalle architetture ai piani urbanistici, dalla grafica alla prima produzione in serie di arredi. Secondo Germano Celant, i documenti ritrovati e presentati oggi in questo progetto “sintetizzano la funzione comunicativa dell’opera d’arte, offrono una storia reale, fuori dalla trattazione teorica dell’artefatto”. Funzionano come mezzi di “cultural understanding”, per usare l’espressione di David Summers, che “garantiscono all’oggetto d’arte un territorio particolare, quello di apparire ad un’audience allargata, in determinate situazioni sociali e politiche”.

L’indagine, svolta in collaborazione con archivi, fondazioni, musei, biblioteche e raccolte private, ha portato alla selezione di oltre 500 lavori, tra dipinti, sculture, disegni, fotografie, manifesti, arredi, progetti e modelli architettonici, realizzati da più di 100 autori. In “Post Zang Tumb Tuuum. Art Life Politics: Italia 1918-1943” questi oggetti sono introdotti da immagini storiche, pubblicazioni originali, lettere, riviste, rassegne stampa e foto personali, così da mettere in discussione la decontestualizzazione espositiva, in cui l’opera d’arte è tradizionalmente ridotta a una presenza neutra e isolata. Ricostruire, invece, le condizioni materiali e fisiche della sua presentazione originale non solo consente di indagare il complesso sistema di relazioni tra autori, galleristi, critici, ideologi, politici, collezionisti, mecenati e spettatori, ma permette anche di esplorare il dispositivo di mostra nelle sue diverse declinazioni, come un elemento essenziale dell’universo simbolico del tempo. Una lettura che sottolinea ulteriormente come l’esposizione di immagini e di prodotti nazionali, anche in contesti internazionali, sia stata utilizzata dal fascismo come uno strumento flessibile, adattabile e moderno, un mezzo funzionale al progetto di rifare gli italiani e di plasmare la loro esperienza del mondo.

Il progetto di allestimento, ideato dallo studio 2×4 di New York in dialogo con il curatore, si presenta come un percorso immersivo, ritmato da venti ricostruzioni parziali di sale espositive pubbliche e private. In questi ambienti, costituiti dall’ingrandimento in scala reale delle immagini storiche, vengono ri-collocate le opere originali di artisti come Giacomo Balla, Carlo Carrà, Felice Casorati, Giorgio de Chirico, Fortunato Depero, Filippo de Pisis, Arturo Martini, Fausto Melotti, Giorgio Morandi, Scipione, Gino Severini, Mario Sironi, Arturo Tosi e Adolfo Wildt, tra gli altri. Si rinnova così l’osmosi tra espressione artistica e aspetti contestuali, come arredi, elementi architettonici, dettagli decorativi e soluzioni allestitive, che permette una conoscenza maggiore delle opere esposte e degli artisti e un’interpretazione più approfondita della storia delle arti in Italia. Si ripercorre così la dialettica tra singoli autori ed esponenti di movimenti, gruppi e tendenze, come Futurismo, Valori Plastici, Novecento, Scuola romana, i cosiddetti Italiens de Paris, il gruppo degli astrattisti e Corrente, che animano un panorama artistico e culturale, caratterizzato da eclettismo e pluralismo espressivi e in cui convivono avanguardia e ritorno all’ordine, sperimentazione e realismo, intimismo e propaganda.

L’attenzione al contesto sociale, politico e vitale si traduce in mostra anche nella presentazione di progetti architettonici, piani urbanistici e allestimenti di grandi eventi quali la Mostra della Rivoluzione Fascista (1932), l’Esposizione dell’Aeronautica Italiana (1934), la Mostra nazionale dello Sport (1935) e l’imponente disegno dell’E42. L’intero percorso espositivo è scandito da focus tematici dedicati a figure di politici, intellettuali, scrittori e pensatori (tra i quali Giuseppe Bottai, Piero Gobetti, Antonio Gramsci, Carlo Levi, Alberto Moravia, Luigi Pirandello, Margherita Sarfatti e Lionello Venturi) che, così come gli artisti, sviluppano la propria autonomia espressiva partecipando attivamente o restando indifferenti alle indicazioni del regime, o al contrario, subendone o criticandone le imposizioni in campo politico, culturale e artistico.

Close
Close

Carlo Gabriele Tribbioli “Intorno l'altare di un dio sconosciuto”

09 February – 16 March
Tuesday – Saturday
12 – 7 pm

Opening 08 February from 6 pm

Via Barozzi 6, 20122

View more on Artshell

Close
Close

Adam Gordon “Secession. 2000–2005”

02 February – 21 April
Tuesday – Friday
11 am - 7 pm (closed 1.30-2.30 pm)

Opening 01 February from 4 pm to 9 pm

Viale Premuda 46, 20129

View more on Artshell

ZERO… presents “Secession 2000-2005”, a solo exhibition by Adam Gordon. Interested in the artist’s role and in the contemporary definition of the artwork, Adam Gordon investigates the residual potential of the image.
His research moves cautiously along the dividing line between the art system and the world. Starting from the language of performance, Adam Gordon tends to work with collaborators who are not always aware.
Including them in a personal microcosm of relationships, the artist artificially elaborates a research system that aspires to the achievement of new epiphanic forms.
The search for these revelations unfolds through a multifaceted exploratory process that seeks to investigate the interstitial phases of what we call "the art world”, through the inclusion of the real world and the human society that is being redefined.

ZERO… presenta “Secession 2000-2005”, mostra personale di Adam Gordon. Interessato al ruolo dell'artista e alla definizione contemporanea di opera d’arte, Adam Gordon indaga le potenzialità residue dell'immagine.
La sua ricerca si muove con circospezione lungo la linea di demarcazione fra il sistema dell'arte e il mondo. Partendo dal linguaggio della performance, Adam Gordon tende ad avvalersi di collaboratori non sempre consapevoli.
Includendoli in un personale microcosmo di relazioni, l'artista elabora artificiosamente un sistema di ricerca che ambisce al raggiungimento di nuove forme epifaniche. 
La ricerca di tali rivelazioni avviene attraverso un processo esplorativo poliedrico che vuole indagare le fasi interstiziali di quello che noi chiamiamo "il mondo dell’arte", attraverso l'inclusione del mondo reale e della società umana in via di ridefinizione.

Close
Close

Jason Gomez “Addio al Passato”

02 February – 24 March
Tuesday​ – Saturday from 11.30 am​-​7.30 pm or by appointment

Opening 01 February from 7 pm to 9 pm

Via ​A. Stradella, 5​, 20129

View more on Artshell

For more than a year Jason Gomez has been living in a multispecies companionship. Lucca, aka Addio del Passato (Farewell to the Past), is a Whippet sighthound with whom the artist shares his daily life, creating with him a symbiotic relationship. “When Lucca was placed in my life the desire to delve back into questions of identity came up again.”1  
Lucca is for Jason Gomez the companion through which he can observe, and call into question, all of those characteristics that allow humans to define themselves as such. The relationship between the two is built upon shared physical spaces and actions, combined in a behavioral pattern that, every day, becomes more unexpectedly intimate. Jason Gomez implements with Lucca what Donna Haraway calls a multispecies companionship, which is to be associated to another fundamental concept of the North American philosopher: that of becoming-with. Becoming-with can be seen as a constant transformative experience that allows the human being to see itself through other creatures, telling their stories, and learning new ways of being in the world; it is a continuous thinking exercise that deconstructs the key concepts of western history, like identity, species, and race.  
The greatest challenge for contemporary human beings is to move towards a radical change of perspective, so that they can be seen as part of a great and complex system of relations in which any pre-established and apparent identity is in fact the consequence of continuous symbiotic intra-actions. That of intra-action2 is here a key concept: it introduces the impossibility of circumscribing individuals into one category, to then highlight the associations that allow each earthling to identify itself as such, and it includes all those human and non-human phenomena that while operating together give a recognizable shape to constantly transforming entities.  
Throughout history, however, human beings have generated precise classification methods, based on fixed qualities that only consider change within an evolutionary frame, which have provided a precise taxonomy to both organic and inorganic species. If modern science has introduced this kind of linguistic conventions, in the social field the same attitude can be found in the production of specific ontologies of race, that authors such as Franz Fanon and Sylvia Winter addressed, in the sixties, as some of the most relevant themes of post-colonialism. Essential for these theorists was the pursue of the de- alienation of humans, in order for them to rediscover bodies without race or, using another phrasing, bodies that are emptied of any cultural taxonomy. 
One of the starting points of this movement of rediscovery, that goes through the re-evaluation of the significance of hybrids and otherness, lies in the intention of moving the focus from objects to connections, towards temporary or continuous juncture points, concentrating on associations between images and concepts, prior to the ones between living things.  
The show by Jason Gomez is dotted with connections, provisional associations between objects, between the written word and built environments. The public enters a space that is sectioned by a number of differently sized tents, originally used to propagate biological material indoors.  
1 Correspondence with the artist, December 2017 2 Karen Barad introduces the concept of intra-actions in “Meeting the Universe Halfway: Quantum Physics and Entanglement of Matter and Meaning”, Duke University Press, 2007.
The words “Clonal Hut” immediately take us back to the serial reproduction processes that affect vegetal organisms and, just as it happens in the great greenhouses for intensive cultivation, each work is hanged, “connected” to its containing structure, forming a more complex installation. By occupying and taking these environments out of their context, Jason Gomez accompanies the public into a space that is metaphorically cultivated through processes of contamination and hybridization, treating all the works as genetically specific elements, capable, together, of generating new micro-environments.  Hung in the first room of the gallery, a banner created through the re-elaboration of the famous Caspar David Friedrich painting “Wanderer above the sea of fog” exorcises the beginning of the intellectual superiority of man over nature. The sentiment of the sublime elevates humans to the position of conscious observer of the world. They are then capable of distancing themselves from the immense power and beauty of nature, transforming it into a marvelous object that creates wonder. The work, wrapped around itself and held by the knots used in bondage, becomes a grid, another metaphor that acts within the space.  
Another two objects independently repeat within Gomez’s production: the orchid - a subject that he already used in his show -opsis in 2016 - and the sighthound become here emblems of originality and identity of the species. The artist contaminates their shapes, as in the series of seven orchids that, anchored to the inside of a tent, hide their imperfections behind the iridescent color of their iron petals. The image of the sighthound, and in particular the image of Lucca, to whom Gomez reserves a space out of the tents, takes the attention back to the specific relation between the artist and his companion. Addio del passato is a dog-faced mask onto which Gomez has glued his hair, signaling the beginning of an already started transformation, in which Lucca becomes the safe image through which he endures a path of re-discovery of the self in its relation to the outside world. Untitled (walking stick), the wooden stick, polished and painted with the elongated shape of the sighthound, becomes the metaphor of a journey, the transition of the artist. The daily practice of becoming-with finds its representation in an instrument that often helps our wondering, the same one sustaining Friederich’s subject as he is immersed in the fog.  
Jason Gomez narrates his works through the concept of object, or transitional phenomenon, referring to a process of discovery of the objective world thanks to which every child extends a subjective and egocentric vision of the world to an objective and organized one. This primary experience contains the sprout of imagination, and invites human beings to push themselves towards the discovery of the surrounding world through certain and secure objects.  
That is how Jason Gomez imagines his sculptures: connective elements in the uncertain relation between the self and the outside world. The transitional object is first of all a bridge element between humans and their certainties – their language for instance – and what has been unknown to them until now. Connections, the actual handolds that appear here and there throughout the exhibition, behave as secure points through which we can imagine, and therefore build, an hybrid space, to which we could potentially add more strata and levels of association.  
It is exactly in this terrain that Gomez’s “Farewell to the Past” takes place, becoming a possible transitional space for the artist and the spectator that, by trusting objects – handholds – that are still recognizable, move the imagination beyond common thinking. The primacy of human beings, of the species and the race, finds an incubating space for what could become a world of future alliances.
Text by Caterina Molteni 

Da piu di un anno Jason Gomez vive una relazione interspecie. Lucca aka Addio del Passato è un levriero Whippet con cui l’artista condivide la propria quotidianità e con cui ha creato nel tempo un rapporto simbiotico.  
“Quando Lucca è apparso nella mia vita, è improvvisamente emerso il desiderio di approfondire alcune domande sulla mia identità”1  Lucca è per Jason Gomez il compagno attraverso cui osservare e mettere in discussione quelle caratteristiche che permettono ad ogni essere umano di definirsi tale. Il rapporto tra i due si costruisce con una condivisione di spazi fisici e di azioni che si combinano in un comportamento che diventa ogni giorno inaspettatamente più intimo. 
Jason Gomez mette in pratica con Lucca quello che Donna Haraway chiama “relazione multispecie” (multispecies companionship), che è da associare ad un altro concetto fondamentale della teorica statunitense, quello di “diventare insieme” (becoming-with). “Diventare insieme” è una costante esperienza di trasformazione in cui l’essere umano si osserva attraverso le altre creature, ne racconta le storie, imparando nuovi modi di stare nel mondo; è un costante esercizio di pensiero che decostruisce concetti chiave della storia occidentale come l’identità, la specie e la razza.  
La grande sfida dell’essere umano contemporaneo è infatti muovere verso un radicale cambiamento di prospettiva che lo vede parte di un grande e complesso sistema di relazioni in cui ogni apparente identità precostituita è invece frutto di incessanti intra-azioni simbiotiche. L’intra-azione2 è un termine chiave: parte dall'impossibilità di circoscrivere gli individui in singole categorie, mette in luce le associazioni che permettono ad ogni creatura terrestre di oggettivarsi come tale, comprende tutti quei fenomeni umani e non umani che, operando insieme, danno una forma riconoscibile ad enti costantemente in trasformazione. 
Nel corso della sua storia, l’essere umano ha però generato precisi metodi di classificazione basati su qualità stabili in cui non sono previsti mutamenti, se non all'interno di una visione evoluzionistica, e che hanno fornito una precisa tassonomia delle specie organiche ed inorganiche. Se la scienza moderna ha introdotto questo tipo di convenzioni linguistiche, su un piano sociale la stessa attitudine è riscontrabile nella produzione di specifiche ontologie della razza, che autori come Franz Fanon e Sylvia Winter affrontarono dagli anni sessanta come uno dei più rilevanti temi del postcolonialismo. Fondamentale per questi teorici era la disalienazione dell’uomo per riscoprire corpi privi di razze, o utilizzando un altro termine, senza tassonomie culturali.  
Uno dei punti di inizio di questo movimento di riscoperta, che passa attraverso la rivalutazione del valore dell'ibrido e dell'alterità, sta nello spostare l'attenzione dagli oggetti alle connessioni, concentrandosi sui punti di giuntura temporanea o continuativa, sulle associazioni tra immagini e concetti ancora prima che su quelle tra esseri viventi.  
La mostra di Jason Gomez è disseminata di collegamenti, di provvisorie associazioni tra oggetti, tra la parola scritta e ambienti costruiti. Gli spettatori entrano in uno spazio scandito da tende di diverse dimensioni originariamente utilizzate per propagare al chiuso materiale biologico. La scritta “Clonal Hut” rimanda immediatamente ai processi di riproduzione seriale di organismi vegetali e, così come nelle grandi serre di coltivazione intensiva, i singoli lavori vengono appesi, "collegati" alla struttura che li contiene formando installazioni più complesse.  
Occupando e decontestualizzando questi ambienti, Jason Gomez introduce lo spettatore in uno spazio coltivato metaforicamente attraverso processi di contaminazione e ibridazione, trattando i singoli lavori come elementi geneticamente connotati capaci insieme di generare nuovi microambienti.  
Appeso nella prima sala della galleria, un banner nato dalla rielaborazione del noto dipinto "Viandante sul mare di nebbia" di Caspar David Friedrich esorcizza la nascita della superiorità intellettuale dell'uomo sulla natura. Il sentimento del sublime eleva l'uomo a osservatore consapevole del mondo che, capace di distanziarsi dall'immensa potenza e bellezza naturale, la trasforma in uno splendido oggetto di cui meravigliarsi. Impacchettato su se stesso con corde e nodi tipici del bondage, il lavoro diventa un reticolo, un'altra metafora in azione all'interno dello spazio.  
Separatamente altri due soggetti si ripetono nell'ultima produzione di Gomez: l’orchidea, già presente nella mostra -opsis del 2016, e il levriero diventano qui emblemi di originalità e identità della specie. L’artista ne contamina le forme come nella serie di sette orchidee che, ancorate all’interno di una delle tende, nascondono le imperfezioni dietro il colore cangiante dei petali in ferro.  
L’immagine del levriero e in particolare di Lucca, a cui Gomez riserva uno spazio della mostra al di fuori delle tende, riporta l’attenzione sulla relazione specifica tra l’artista e il suo compagno. “Addio del passato” è una maschera canina su cui Gomez ha successivamente incollato i propri capelli in segno dell’inizio di una trasformazione, in cui Lucca esercita il ruolo di immagine sicura attraverso cui intraprendere quel percorso di riscoperta di un sé in relazione al mondo esterno. Anche “Untitled (walking stick)”, il bastone in legno, levigato e dipinto riportando la forma longilinea del levriero, diventa metafora del viaggio di una reale transizione dell’artista. La pratica quotidiana del “diventare insieme” trova la sua rappresentazione in uno strumento che comunemente aiuta il cammino, lo stesso che sostiene il soggetto di Friedrich immerso nella nebbia.  
Jason Gomez racconta i suoi lavori attraverso il concetto di oggetto o fenomeno transizionale che si riferisce ad un processo di scoperta del mondo oggettivo grazie a cui ogni bambino estende una visione soggettiva ed egocentrica del mondo ad una oggettiva ed assestante. Questa primaria esperienza contiene il germoglio dell’immaginazione ed invita l’essere umano a spingersi a scoprire il mondo circostante attraverso oggetti sicuri e certi.  
Jason Gomez immagina così le proprie sculture: elementi di connessione nell’incerta relazione tra sé e il mondo esterno. L’oggetto transizionale è prima di tutto un elemento di ponte tra l’uomo e le sue certezze - ad esempio il suo linguaggio - e ciò che fino a questo momento gli rimane sconosciuto. Le connessioni, i reali appigli che qua e là appaiono nella mostra, funzionano come punti certi attraverso cui immaginare e costruire uno spazio ibrido potenzialmente addizionabile di altri strati e livelli di associazione.
È proprio in questo terreno che si svolge l’Addio al Passato di Jason Gomez, diventando un possibile spazio transizionale per l’artista e per lo spettatore che, affidandosi ad oggetti ancora riconoscibili, muovono l’immaginazione al di là delle abitudini di pensiero.
Il primato dell’essere umano, della specie e della razza, trova un luogo incubatore di ciò che potrà essere un mondo di alleanze future.
Testo di Caterina Molteni 

Close
Close

Adriano Altamira “Conceptual Rigoletta”

09 February – 10 March
Tuesday – Saturday, 10 am-7 pm (closed 1-3 pm)

Opening 08 February from 6 pm

Via Tadino 15, 20124

View more on Artshell

“There are twelve panels. Each panel is a story. None of these stories originates from a real or fictitious event, but simply from the juxtaposition of several images that I’ve seen or, as they say, have passed through my mind and ignited a spark after friction occurred between them.” In the words of Adriano Altamira, this is the subject of his latest installation at the Marconi Foundation, which takes its title from a brief, dazzling piece of nonsense, Conceptual Rigoletta, written by Altamira four years ago. Despite its ironic appearance, Conceptual Rigoletta is in every way a true meditation on the status of the image and continues the conceptual research Altamira began in the 1970s, which culminated in his most important work: Area of Coincidence. Conceptual Rigoletta is composed of about sixty drawings, divided into sequences of five and presented on twelve panels. Together they form the narrative fabric of a novel in images, following the tradition begun by Max Ernst in the 1930s with La femme 100 têtes, Rêve d’une petite fille qui voulut entrer au Carmel and Une semaine de bonté. In fact, the installation on show in the gallery, with the original drawings, symmetrically echoes the issue of a book published by Corraini: a true novel in images. The installation and the book thus maintain a dialogue at a distance, which at the same time unites and divides them. A brief written appendix in the book reveals the salient elements of this narrative adventure. The term Rigoletta has nothing to do with the Verdi opera, except for the fact that the short poem from which the exhibition takes its title is a sort of paraphrase of “La donna è mobile”, the famous aria from Rigoletto. The poem says in fact: “Art remains immobile / what a rare event / it alters in the middle / of its thought”. In their turn, the sixty drawings that make up the work are also a sort of paraphrase of the photographic sequences the artist has been creating thus far, but now, as drawings, they are transferred into a new atmosphere: dreamy, sometimes full of emotion and sometimes cruel.

“Ci sono dodici tavoli. Ogni tavolo è una storia. Nessuna di queste storie nasce da una vicenda reale o fittizia che sia, ma solo dall’accostamento di alcune immagini, viste o, come si dice, passate per la mia mente, che hanno acceso una scintilla una volta messe in frizione tra loro.” Questo, nelle parole di Adriano Altamira, il soggetto della sua ultima installazione presso la Fondazione Marconi, che prende il titolo da un breve, abbagliante nonsense, Conceptual Rigoletta, scritto dall’autore quattro anni fa. Nonostante l’apparenza ironica, Conceptual Rigoletta è a tutti gli effetti una vera e propria meditazione sullo statuto dell’immagine, che prosegue le ricerche concettuali iniziate da Altamira negli anni Settanta e culminate con il suo lavoro più importante: Area di coincidenza. Conceptual Rigoletta è composta da una sessantina di disegni, divisi in sequenze di cinque (disposte appunto su dodici tavoli), che formano il tessuto narrativo di un romanzo per immagini, nel solco della tradizione iniziata da quelli di Max Ernst negli anni Trenta (La femme 100 têtes, Rêve d’une petite fille qui voulut entrer au Carmel, Une semaine de bonté). Infatti, simmetricamente, all’installazione allestita in galleria, con i disegni originali, fa eco la pubblicazione di un volume delle edizioni Corraini: il romanzo per immagini vero e proprio. L’installazione e il libro mantengono così un dialogo a distanza che insieme li affratella e li divide. Una breve appendice di testo rivela, nel libro, gli elementi salienti di questa avventura narrativa. Il termine “Rigoletta” non c’entra nulla con l’opera verdiana, tranne per il fatto che la breve poesia che dà titolo alla mostra è una specie di parafrasi della nota aria del Rigoletto La donna è mobile. Dice infatti: “L’arte sta immobile / qual raro evento / muta nel centro / del suo pensier”. Anche i sessanta disegni che costituiscono l’opera sono dal canto loro una sorta di parafrasi delle sequenze fotografiche fin qui eseguite dall’autore, che il disegno trasporta in una nuova atmosfera, sognante, a volte piena d’emozione, a volte crudele.

Close